viernes, 4 de junio de 2010

Critica "Te quiero, eres perfecto... ¡ya te cambiaré!". Musical

El nombre original del musical es "I Love You, you're perfect... now change!"

En la versión española el reparto esta compuesto por: Ruth Calvo, Inma Mira, Jorge Gonzalo y Pablo Muñoz-Chápuli, director y responsable de la adaptación del espectáculo.

El espectáculo muestra las interioridades del mundo de la pareja. Es una visión de las experiencias que todo el mundo ha vivido en algún momento de su vida: la primera cita, el noviazgo, el matrimonio, la llegada de los hijos o la crisis de los cuarenta.


Lo más sorprendente del espectáculo es precisamente la compañía en sí: ver como un pequeño grupo de actores es capaz de realizar musicales tan fantásticos, sin recurrir a una suntuosa puesta en escena, como ocurre con las grandes producciones.

Los cuatro protagonistas son actores ante todo, pero con una buena formación en canto. De todas formas, las canciones que forman este musical no son excesivamente difíciles, vocalmente hablando.
La orquestación estaba formada por un violín y un piano, exclusivamente, que a veces incluso se involucraban en la escena.

La representación se realizó en el teatro Alfil, un teatro pequeño, pero suficiente para el espectáculo citado. La puesta en escena era muy sencilla. Los actores utilizaban un biombo negro para cambiarse de ropa y la escenografía estaba formada por muy pocos elementos, sobre todo utillería que utilizaban dependiendo de la escena. Ese aspecto era muy innovador e interesante, cómo con tan poco podían crear escenas tan interesantes.

Quizás lo que más dejaba que desear eran las adaptaciones de las letras.
A penas tenía coreografía, los momentos musicales se llenaban con una partitura de movimiento escénico más que con pasos coreográficos propiamente dichos.

En conclusión, ver cómo una compañía tan pequeña y con tan pocos medios puede hacer un espectáculo así, es fabuloso.

Comentario del musical: "La Bella y la Bestia"


Se trata de una adaptación del musical de Broadway basada en la película del mismo nombre realizada por Walt Disney en 1991. La historia es un cuento de hadas, dónde todos sus elementos se conjugan para introducir los números musicales que son el alma de este espectáculo.
Entre el Equipo Creativo de la producción original debemos destacar: el compositor Alan Menken , los letristas Howard Ashman (artífice también de la Sirenita, diversas canciones de Aladdin...) y Tim Rice (quien ha escrito el guión completo de cinco musicales), los coreógrafos Matt West, Dan Mojica y Moira Chapman, el libreto que corre a cargo de Linda Woolverton (galardonada con el Premio Laurence Olivier al Mejor Nuevo Musical en Londres.

El argumento es mundialmente conocido.

La versión española corre a cargo de
Joe Luciano (Bestia), Julia Möller (Bella), Manuel Banderas (Gastón), Miguel de Grandy (Maurice), David Venancio Muro (Din Don), Germán Torres (Lumiere), Kirby Navarro (Sra. Potts), etc.

En cuanto a las interpretaciones lo más destacable es decir que, lamentablemente (como en casi todos los espectáculos musicales aquí en España) encontramos a magníficos cantantes, en vez de actores. Las voces son muy buenas, pero interpretativamente la cosa deja mucho que desear.
Es un espectáculo infantil y, valga la rebundacia, espectacular.

Es su principal seña de identidad: la grandiosidad del montaje.
Por un lado, la escenografía que cuenta con decordados de que se mueven solos, muy elaborados y que introducen al público en el ambiente rapidamente.
El vestuario es también muy impresionante, al igual que los números musicales.
La obra cuenta con un cuerpo de baile compuesto por más de treinta bailarines y la música en directo siempre es un buen elemento a favor de cualquier espectáculo.
Las escenas más impresionantes podría ser la overtura (presentación del pueblo y del personaje de Bella) y como coreografía la pelea de los lobos contra la Bestia en el bosque.

Pero en eso se queda. En una producción muy costosa y muy espectacular, que realmente consigue mantener al público infaltil pegado a la butaca, pero a la que poco más puede pedirsele.

Son dos horas de magia, aderezada con una música y una orquestación (que corre a cargo de Pablo Eisele)
magnfíca. Pero cuando acudes al teatro a ver cualquier tipo de espectáculo así, debes ir mentalizado a eso: muchos efectos de iluminación, luces, numeros corales abrumadores (como la escena del festín) pero un transfondo poco interesante, salvo el que la propia fábula infantil refleja con su mítica frase de "La belleza está en el interior".



Crítica de: "Como los griegos"

"Como los griegos" es la primera obra de teatro "clásico" que ha consguido engancharme.

Se trata de una tragedia contemporánea, todo sea dicho, pero imita el modelo de las tragedias clásicas griegas con monólogos muy extensos de los personajes. Es una versión del mito de Edipo contemporaneizada.

El personaje protagonista es Eddy que sufre la misma trágica historia que Edipo. Es un personaje con mucha humanidad que consigue emocionar. Te identificas con él de manera irónica, porque nunca podrías verte en una situación similar a la que él sufre y el resto de personajes giran en torno a él.
Sus objetivos y obstáculos están muy claros:

  • OBJETIVOS: cambiar de vida, el amor que no busca pero que encuentra, mantener su nueva vida perfecta, cambiar la sociedad.
Es evidente que algunos de los objetivos del personaje son imposibles. Por ejemplo, el objetivo de limpiar la cuidad en la que vive de la degradación. Pero él lucha por conseguirlos, y esas ganas hacen que su tragedia nos interese más y sea más dura.

  • OBSTÁCULOS: sus padres adoptivos, el destino, la socidad y él mismo.
Él mismo se convierte en su obstáculo por culpa de sus acciones. Acciones inconscientes, porque él no sabe las consecuencias que traeran sus actos, pero por eso se trata de una obra trágica: porque la catástrofe es inevitable.

En esta obra aparecen muchos elementos de la tragedia griega: hamartía, metabolé, anagnórisis, pathos y por supuesto, catarsis.

Su característica más evidente es el lenguaje descarnado que utiliza. Es un tipo de lenguaje muy atractivo, aunque sea demasiado duro.

La obra tiene "algo" que engancha. Todos los monólogos del personaje de Eddy son reflexiones sobre la sociedad, sobre la decadencia de la época moderna; de como cada persona piensa por sí misma, sin preocuparse en absoluto por los demás.
Los temas fundamentales que trata la obra giran en torno a eso: la sociedad, la soledad, el destino, el amor...

La escena que más destacaría es sin duda en la que Eddy mata a su padre (sin saber quién es): se trata de una pelea en la que las armas no son cuchillos ni pistolas, sino palabras.
Como cualquier buena tragedia, tras leerla la catarsis, te mantiene pensando en ella durante un buen rato.

lunes, 31 de mayo de 2010

Comentario: Alicia en el país de las Maravillas de Tim Burton.


"Alice in WonderLand" (título original del film) es la última película del director Tim Burton. Se trata de una versión de los cuentos infantiles de Lewis Carroll: "Alicia en el país de las Maravillas" y "A travé del espejo y lo que Alicia encontró allí".

El reparto original de la película es el siguiente:

  1. Johnny Depp - Tarratn, el Sombrerero Loco.
  2. Mia Wasikowska - Alicia.
  3. Helena Bonham Carter - Iracunda, la Reina Roja.
  4. Anne Hathaway - Mirando, la Reina Blanca.
  5. Crispin Glover - Ilosovic Stayne, la Jota de Corazones.
  6. Matt Lucas - Tweedledum y Tweedledee.
  7. Alan Rickman - Absolem, La Oruga (voz).
  8. Christopher Lee - Galimatazo (voz).
  9. Stephen Fry - Chesire, el Gato Risón (voz).
  10. Michael Sheen - McTwips, el Conejo Blanco (voz).

La película en sí es bastante buena. Un trabajo de Tim Burton nunca puede ser malo. Pero la cosa empieza a fallar precisamente si la comparamos con otras películas del director.
No está a la altura de "La novia cadáver" o "Pesadilla antes de navidad", ni mucho menos de la famosísima "Eduardo Manostijeras".
Los efectos especiales, el vestuario, la caracterización y la actuación de los actores es muy buena, pero el resultado final tampoco es nada del otro mundo.


Precisamente son los efectos especiales los que sustentan el film. Es un trabajo perfecto en cuanto a creación de escenarios y personajes animados: la Ratita, Los Gemelos, las Flores, el Conejo Blanco o El Gato Risón.
El trabajo de caracterización también es impresionante: el vestuario y el maquillaje son elementos imprescindibles y muy bien tratados.
Particularmente, el ambiente siniestro del País de las Maravillas y de sus habitantes me resulta muy atractivo.

Lo más destacable es, sin duda, la interpretación de Johnny Depp como el Sombrerero Loco. ¿Habrá algún personaje que este actor no sepa interpretar? A parte de la fachada estereotipada que el personaje ya tiene de por sí, a través del guión y de la historia, Johnny Depp consigue aportar al personaje una trascendencia mayor.
La escena más impactante de la película es el momento en que el Sombrerero Loco recuerda lo que pasó en el reino de La Reina Blanca, donde él vivía. Y la interpretación de Johnny Depp es intachable.
Otra actriz cuyo trabajo también es destacable es Helena Bonham Carter, como Iracunda: la Reina Roja. Su caracterización física, retocada por efectos de ordenador (aparece con un cuerpo diminuto en comparación a su enorme cabeza) es muy original. Además también ha sido capaz de dar otra perspectiva al personaje. Consumida por los celos hacia su hermana Miranda (La Reina Blanca), Iracunda es un personaje en realidad débil, que busca conseguir el cariño de los demás, pero se equivoca de camino, repitiendo una y otra vez: "¡Que les corten la cabeza!". Su agresividad y el terror que provoca son maniobras para no mostrar su debilidad y lo sola que se siente. Ese aspecto, gracias a la interpretación de la actriz, queda bastante claro.
Anne Hathaway también realiza una buena actuación, pero su personaje quizás no es tan interesante como los anteriores.
Pero, sin ninguna duda, el personaje poco aprovechado por excelencia es el protagonista: Alicia.
Mia Wasikowska no consigue atraer y captar la atención del público como debería. Toda la historia gira en torno a ella y sus escenas resultan planas y monótonas.

Ese es uno de los principales problemas de la película. Con una protagonista, sobre la que recae casi todo el peso de la acción dramática, que no consigue enganchar, la mayoría de las escenas se hacen demasiado pesadas.
Es entonces cuando decides fijarte en los efectos especiales y en la ambientación de la película, antes que en el personaje principal.

Danny Elfman consigue con la banda sonora de la película un trabajo precioso.

En general, podría decir que éste es otro claro ejemplo de: trailer maravilloso que te deja con unas ganas enormes de ver la cinta. Después sales del cine con la sensación de haber pasado un rato agradable, pero nada más.

http://www.youtube.com/watch?v=mUHSNPfNkIs









Crítica sobre el libro "El color de la Magia" de Terry Prachett


AUTOR: Terry Prachett
GÉNERO: fantástico, épico, parodia.
IDIOMA: lengua inglesa.
TITULO ORGINAL: The colour of Magic.
TRADUCCIÓN: Cristina Macía Orio.
ARTISTA DE LA CUBIERTA: Josh Kirby.
EDITORIAL: Plaza y Janés.
PAÍS: Reino Unido.
FORMATO: papel.
PÁGINAS: 285.






El color de la Magia es la primera novela de la saga del Mundodisco, creada por el escritor inglés Terry Prachett.
Éste primer volumen (a diferencia del resto que no suelen tener capítulos) está divida en "libros" que narran historias cortas consecutivas utilizando los mismos personajes.

La novela tiene una segunda parte, La luz fantástica en la que los personajes principales (Dosflores y Rincewind) vivirán más aventuras.
Algunos de los personajes que aparecen son los siguientes:
  • Dosflores: es el primer turista del Mundodisco.
  • Rincewind: mago renegado que se gana la vida con trapicheos y demás astucias. Se encuentra por casualidad con Dosflores y viaja con él viviendo un sin fín de aventuras por todo el Mundodisco.
  • El Equipaje: es un baúl con patas, que persigue a su dueño (Dosflores) por dónde sea y siempre consigue encontrarle.
  • La Muerte: aparece constantemente persiguiendo a los protagonistas.
  • Io el Ciego: uno de los dioses del Mundodisco.
  • Sino: otro dios.
  • La Dama: una diosa.
  • Hrun, el Bárbaro: un bárbaro con cierto aire intelectual que se cruza en el camino de nuestros héroes.
  • Liessa Wyrmbidder: la joven Reina del Wymberg (una de las zonas del Mundodisco).
  • Dactilos: inventor.
  • Tethis: un troll marino que Rincewind y Dosflores conocen casi al final de la historia.
Terry Prachett nos muestra un mundo maravilloso y fantástico, con criaturas imaginarias y fabulosas.
En su viaje por todo el Mundodisco, los protagonistas corren mil y una aventuras. Se encuentran con un sinfín de criaturas y se ven involucrados en un montón de situaciones extrañas y peliagudas de las que siempre consiguen salir ilesos.
Desde el principio no se realiza una descripción detallada del Mundodisco y de sus habitantes, sino que se van descubriendo cosas a medida que avanza la historia y los personajes protagonistas viajan de un lugar a otro.

La trama es delirante. Cientos de historias secundarias se mezclan con la principal, creando un enrevesado relato que a veces es dificil de entender. El autor tiene una manera de escribir muy irónica y sarcástica y hay que estar muy atento para no perderse ningún detalle de la historia. No es un libro facil de leer y en ocasiones puede hacerse un tanto pesado y lento, pero para las personas que aman la literatura es todo un placer zambullirse en ese mundo tan fantástico.

Los personajes son casi increibles, tanto por su personalidad como por sus actos. Quiero decir, que dentro de la ironía que caracteriza la obra es comprensible que hagan determinadas cosas y que actúen como lo hacen en determinados momentos, pero analizando objetivamente sus actos lo único que podríamos pensar sería: "es de locos".


Dosflores. La característica que define a este personaje es: positividad. Es un personaje extra positivo. Su alegría y sus ganas de descubrir nuevas cosas no decaen en ningún momento, ni siquiera en las peores situaciones, cuando están a punto de morir o se enfrentan a algo realmente peligroso.
Es el contrapunto cómico y con sus actos siempre trata de subir la moral de los demás. Su Equipaje también es un elemento importante de la historia. Es un baúl con patas que le sigue a todas partes. Incluso cuando parece que lo ha perdido, tarde o temprano el equipaje aparece de nuevo, siguiendo fielmente a su amo. Dosflores lo utiliza simplemente para guardar sus cosas, pero el Equipaje es capaz incluso de atacar a cualquiera que pretenda saber que guarda en su interior.

Rincewind. Es la parte racional (si se puede llamar así) de toda la locura.
Es una persona normal, que trata de vivir la vida lo mejor posible. No es el típico héroe valiente, decidido y entregado. Todo lo contrario. Es la figura del antihéroe: es mezquino y traicionero. Trata de ganarse la vida como sea y dentro de ese "como sea" cabe cualquier cosa.
Sin embargo, empatizas con él. Sus actos no te parecen tan malos teniendo en cuenta que la vida en el Mundodisco es dura y que lo único que pretende Rincewind es sobrevivir. Digo que es la parte racional porque él es el único que ve los riesgos de su aventura y trata de superar todos los peligros a los que se enfrentan Dosflores y él.

Los Dioses. Durante toda la obra se mencionan a más, pero los más destacados son Sino y La Dama. Los dioses aparecen jugando una partida de ajedrez y conforme avanza la historia te das cuenta de que su tablero es el Mundodisco y sus fichas los personajes que hay en él.
Principalmente la partida se centra en el duelo entre Sino y La Dama. Es sencillo adivinar con qué piezas juegan: Dosflores y Rincewind (de parte de La Dama) y todas las situaciones límite a las que se enfrentan (propiciadas por el dios Sino).

Para terminar, merece una especial mención la personificación antropomórfica de la Muerte. Aparece como un personaje más, que Rincewind por su calidad de mago (a pesar de no ser un mago profesional) puede ver. La Muerte los persigue constantemente, enviada por supuesto por el dios Sino, pero nunca consigue darles alcance y su frustración es realmente graciosa.

La saga está formada por más de veinte volúmenes, en los que aparecen personajes totalmente distintos. Pero la segunda parte de ésta, llamada La Luz Fantástica, continúa narrando las aventuras de Dosflores y Rincewind.

Terry Prachett tiene una manera muy especial de contar historias. Su forma de narrar los sucesos, su manera de escribir y de describir situaciones, le dan a la novela su particular sello propio.

miércoles, 7 de abril de 2010

Comentario del film: CELDA 211





FICHA TÉCNICA:

TÍTULO ORIGINAL
Celda 211
AÑO
2009
DIRECTOR
Daniel Monzón
REPARTO
Alberto Ammann,Luis Tosar,Antonio Resines,Manuel Morón,Carlos Bardem,Fernando Soto,Marta Etura,Luis Zahera,Vicente Romero
GUIÓN
Jorge Guerricoechevarría, Daniel Monzón

"Celda 211" está basada en la novela de Francisco Pérez Gandul. Cuenta la historia de un funcionario de prisiones, Juan, que se hace pasar por preso cuando, en su primer dia de trabajo, se produce un montín en la carcel.

La historia es fabulosa.
Consigue mantener al espectador pegado a la pantalla. La cinta es uno de los mejores trabajos de Daniel Monzón y ha conseguido nada menos que ocho premios Goya, entre ellos el de mejor película, mejor director, mejor actor protagonista (Luis Tosar), mejor actriz de reparto (Marta Eutura) o mejor actor revelación (Alberto Ammann).

De todas formas hay algunos aspectos del argumento que son, quizás, demasiado previsibles.
Por un lado la muerte de Elena, la novia embarazada de Juan o que Juan finalmente acabe cometiendo un crimen, lo cual lo convierte en un asesino más... como todos aquellos presos que están en la carcel y que provacan el motín.

Es una película que se sustenta sobre todo por las interpretaciones de los actores.
En mi opinión, el más destacable de todos es Luis Tosar por su papel de Malamadre, aun que también Alberto Ammann demostró lo que es capaz de hacer en su primera intervención en cine.
Por otro lado, Antonio Resines interpreta a Antonio Resines haciendo de funcionario de prisión. Quiero decir, que su intepretación está en la línea de lo que suele hacer siempre y no es nada destacable. Y Marta Eutura es una grandísima actriz, pero que en esta película tampoco realiza un papel demasiado relevante.

El personaje de Malamadre es maravilloso y una joya para cualquier actor con la capacidad de intepretarlo. Es muy agresivo, autoritario y fuerte. Es el lider de los presos, nadie es capaz de cuestionar lo que dice y todos lo siguen. En un principio puede parecer que lucha por sí mismo y su causa, pero a lo largo de la historia se demuestra que lucha por sentimientos de igualdad, justicia y libertad, toda la igualdad, justicia y libertad que pueden tener unos hombres que han cometidos asesiantos y demás actos atroces.
Pero ése es un aspecto que como espectador olvidas mientras ves la película. Sabes perfectamente que Malamadre es un criminal, pero lucha con todas sus fuerzas por conseguir su objetivo y justifica sus actos.
El personaje de Juan lo que provoca es una sensación de lástima, en cierta medida, al comienzo. Es el colmo de los colmos que en su primer día de trabajo ocurra el motín y que además él sea el único que acabe encerrado y tenga que hacerse pasar por preso para poder sobrevivir. Además,Jorge Guerricoechevarría (guionista)y Daniel Monzón, utilizando las imágenes de la pareja (Juan y Elena) justo la mañana de antes, consiguen crear en el espectardor un sentimiento de compasión por Juan y después de que él asesine a Utrilla (Antonio Resines) no nos parece un asesino en absoluto; ha vengado a su esposa (que ha muerto en cierta medida por culpa de Utrilla).

La película se desarrolla en un día y prácticamente en un único espacio: la prisión. El trabajo de atrezzo y decorados merece también su reconocimiento. Y Roque Baños realiza un trabajo escepcional en la composición de la música.

"Celda 211" es la típica película española que puede no llamarte la atención demasiado si ves su trailer, o si alguien te habla sobre ella, pero que una vez la has visto consigue marcarte y sobre todo hacerte pensar.


martes, 29 de diciembre de 2009

Crítica del espectáculo: "Nusquam".






La compañía de teatro Teatro Do Mar presentó en Murcia su espectáculo "Nusquam" dentro del programa de la edición de este año de Alter Ego (teatro alternativo) que tubo lugar por la calles de la capital.


El espectáculo del Teatro Do Mar presentaba cuatro personajes tipo:

1.- El estudiante universitario: un joven demasiado obsesionado y controlado por las nuevas tecnologías; móvil, reproductor de música, televisión y videoconsolas manejan a este personaje.


Es un personaje muy descontrolado, que utiliza movimientos rápidos y enérgicos.


Es capaz de pasar de una cosa a otra en cuestión de segundos (acostumbrado a la agilidad que representan los aparatos electrónicos hoy en día) y no se concentra en nada en concreto, sino que va de una cosa a otra aceleradamente.


2.- La mujer des vestido rojo: es el claro ejemplo que encontramos en la película de los Hermanos Wachowski, "Matrix". Sexy, guapa y muy presumida. Le encanta que la miren y la elogien por su belleza y vive por y para cuidar de sí misma.


La ropa, los zapatos y su aspecto físico son su obsesión.


3.- El hombre de negocios: también muy al estilo "Matrix", este personaje viste un traje oscuro de cahqueta y lleva maletín y gafas de sol. Totalmente organizado, ésa es su forma de ser. Hasta en su manera de caminar se observa ese orden y esa necesidad de que todo esté bajo control.


4.- El escritor romántico: era el personaje más trágico de todos. Un escritor, un artista azotado por los amargos momentos de una vida pasada que ni quiere ni puede olvidar.


Vive anclado es sus recuerdos y éstos no le permiten avanzar.

El escenario consistía en cuator andamios separados entre sí que formaban un cuadrado donde se colocaba el público. Hacía el final del espectáculo esos cuatro andamios eran colocados juntos, formando un escenario único. Lo más destacable de estos escenarios móviles era la decoración. Una vez que te presentaban a los personajes cada escenario tomaba sentido y directamente podáis relacionar al personaje con su escenario.

En cada apartado, los personajes representaban escenas de su vida, de su día a día.

Los actores mostraban un trabajo corporal tremendo. Los estereotipos eran llevados al extremo y las rasgos que identificaban a cada personaje exagerados al máximo.

Por ejemplo: la obsesión del estudiante por la tecnología le hacía ir tan desconectado del mundo real, que podáis llegar a pensar que iba drogado; en la mujer, la sensualidad que desprendía dejaba entre ver la existencia de un deseo sexual que dudaba en satisfacer.

Al comienzo del espectáculo los personajes aparecía dentro de esferas de plástico que marcaban (de manera exagerada también) el espacio vital necesario de cada persona; es más, si de repente coincidian con otro personaje y sus bolas se chocaban, sus reacciones eran de desconfianza e inseguridad, como si la otra persona estuviera invadiéndolo.

Destacable mencionar que todos los actores llevaban una pequeña luz enfocando sus rostros, de manera que fueran visibles en todo momento.

Una vez que los escenarios individuales formaban uno solo, los actores se colgaban de unos arneses y llevaban a cabo la parte más teatro-danza (aérea y acrobática).

Es en este momento cuando el mensaje en sí que quiere transmitir la compañía empieza a entenderse: estos personajes están hartos de su forma de vida. Corren, intentando huir, pero no lo consigue, gritan y se revelan, pero son marionetas de la sociedad y cuelgan de sus hilos. Es la parte más enérgica del espectáculo, que concluye con los cautro actores colgando de los arneses, sin ropa, con una especie de mayot color blanco.

No tengo claro qué pensar sobre ese final. En un principio pensé que habían muerto, ahogados por sus propias vidas, y el mensaje que recibí fue que todos somos igual de vulnerables y que una vez que nuestra existencia termina no queda nada... salvo el recuerdo.

¿Quién sabe? Es teatro contemporáneo y alternativo, podría significar cualquier cosa.

Sin ninguna duda lo más destacable de la obra es el trabajo de iluminación, sonido y proyectores. Todos estos elementos consiguen introducierte en la atmósfera y llevarte por la historia a pesar de la inexistencia de diálogos.

En conclusión, "Nusquam" es un espectáculo completo, que permite cuestionarte cosas sobre la monotonía de tu propia existencia y que presenta cuatro historias muy definidas, interesantes y trágicas.